Античная культура

Античная культура

Античная культура представляет собой единство двух культур древнегреческой и древнеримской. В ней выделяют три основных периода: архаики (VII-VI вв. до н.э.), классики (V-IV вв. до н.э.) и эллинизма (III—II вв. до н.э.). Если в эпоху архаики античная культура переживает период своего становления, не имея еще завершенных форм и художественно-эстетических теорий, то эпоха ранней и зрелой классики по праву считается «золотым веком античного искусства. В лучших произведениях, которого форма и содержание пребывают в гармонии, в то время как эпоха эллинизма характеризуется утратой былого великолепия, что постепенно приводит к упадку всей античной культуры. I в. до н.э. знаменует собой появление римской культуры, зародившейся в недрах греческой. По мнению историков, переломным событием, во многом решившим судьбу Греции, явилось падение Карфагена (146 г. до н.э.).

В отличие от стран Древнего Востока в Греции сложился не монархический, а республиканский стиль правления. Правил не единоличный властелин, которого поддерживала родовая аристократия, а рабовладельцы и свободные граждане греческого города-государства (полиса). Своеобразие исторической обстановки не могло не сказаться на формировании у греков особого мировосприятия, повлиявшего в конечном итоге на всю греческую культуру и искусство. Политическим, а затем и эстетическим идеалом античности являлся образ свободного и активного гражданина. Если египетские и ассирийские герои были причастны к миру природных стихий, то греческие сильны прежде всего своей человеческой силой.  Античные искусства были тесно связаны с античной мифологией,  имеющей, по сравнению с восточной, свои особенности. Если египетская мифология отличалась зооморфизмом, то греческая была целиком антропоморфна: олимпийские боги, победившие чудовищ и гигантов, обладали не только человеческой внешностью, но и человеческими достоинствами и слабостями. Ничто человеческое не было им чуждо: они сердились, увлекались, ошибались, участвовали в интригах, но при этом не переставали быть сильными и прекрасными богами.  Отличительной особенностью духовной жизни греков был политеизм, который характеризовался верой в существование множества богов, что, по-видимому, также явилось отражением демократической атмосферы жизни греческого полиса. Многие исследователи античности склонны считать, что разгадка «греческого чуда» кроется в демократии и гуманизме, ставших неотъемлемой чертой всей греческой культуры.

Действительно, искусство окружало античного человека с детства, наполняя его жизнь художественными ритмами и формами. Любой свободнорожденный человек греко-римского мира был вовлечен даже в своей повседневной жизни в круг пластических искусств, которым греки отдавали предпочтение. Образование в школе начиналось с заучивания отрывков из произведений Гомера и Гесиода. А в течение всей жизни греков сопровождали музыка, поэзия, риторика, трагедии и комедии античных авторов, театральные и цирковые зрелища, а также предметы прикладного искусства, скульптура, архитектура.

Культура эстетических чувств у греков была столь высока, что она органично вписалась в систему философских воззрений уже первых античных мыслителей, начиная с пифагорейцев. Возникновение эстетических представлений относят примерно к VI в. до н.э. - времени, когда античная культура приближалась к своему расцвету. Первые эстетические теории появляются в городах Малой Азии, затем в греческих городах юга Италии и о. Сицилии и уже затем в самой Греции - в Афинах.

Весьма характерным и значимым фактором, повлиявшим на развитие всей античной культуры, явилась связь Греции со странами Востока. Оживленные торговые связи способствовали проникновению в Грецию научных и культурных достижений Востока. Тема бессмертия человека, побеждающего чудовищ и раскрывающего людям тайны богов, главенствовавшая в египетской мифологии, позднее появилась у греков в образах Прометея и Геракла. Такие известные философы, как Фалес, Пифагор и Демокрит, путешествуя по Египту, знакомились с его научными достижениями в области математики, астрономии, медицины, философии и искусства. Опыт, накопленный восточными культурами, был не только усвоен греками, но и превзойден. Многие философские и эстетические положения античности не утратили своей актуальности и сегодня.

Греки живо интересовались искусством, их эстетическая теория не была оторвана от художественной практики, а естественным образом из нее вытекала. В поле зрения античных мыслителей была не только природа искусства, но и проблема эстетического воспитания, а также такие эстетические категории, как прекрасное, трагическое, комическое, ирония, мера, гармония и др. Наряду с философией и наукой античная эстетика оформилась в самостоятельную область, не зависимую от мифологии.

Одним из первых, кто органично вписал эстетические взгляды в свою философскую систему, был Пифагор. Создавая космологическую теорию, он обратил внимание на порядок и гармонию, царящие во Вселенной. Понятие гармонии Пифагор исследовал на примере музыки, отметив, что своеобразие музыкального тона зависит от длины звучащей струны, тем самым был впервые поставлен вопрос об объективности эстетического. При исследовании музыки пифагорейцы уделяли много внимания воспитательному воздействию, которое она оказывает на человека, врачуя нравы и страсти и восстанавливая гармонию душевных сил.

Объективность прекрасного подчеркивали также Гераклит, Эмпидокл и Демокрит. Прекрасное, считали они, присуще самому космосу, который является воплощением стройности, порядка и гармонии. В основе космоса и искусства они видели одни и те же закономерности. Поэтому, подражая природе, искусство стремится запечатлеть в себе симметрию и гармонию частей, присущих самому миру и составляющих сущность прекрасного.

Сократ поставил вопрос о связи прекрасного с нравственным. Главным предметом в искусстве философии является, по его мнению, не просто человек, а человек разумный и добродетельный. Что касается красоты, то ее Сократ считал относительной - то, что хорошо в одном отношении, может быть безобразным в другом, и наоборот (и золотая ложка, и деревянная одинаково целесообразны).

Под влиянием идей Сократа сформировался его ученик Платон. Подлинно прекрасное, согласно Платону, принадлежит не миру единичных чувственных вещей, а лишь идеям, которые существуют вне времени. В отличие от чувственных вещей, которые постоянно изменяются и не содержат в себе ничего истинного, идеи неизменны и прекрасны сами по себе. Постичь прекрасное, согласно Платону, можно лишь на пути отвлеченного умозрения путем интеллектуального экстаза. А поскольку искусство есть лишь подражание чувственным вещам которые, в свою очередь, являются копиями идей, то оно только копи рует их, создавая копии с копий, тени теней. Искусство не дает нам подлинного знания, оно далеко отстоит от истины, нередко провоцирует в человеке дурные страсти и наклонности, является обманчивым, поэтому недостойно граждан идеального государства, о котором мечтал Платон. В его взглядах ярко выражен аристократизм и нетерпимость ко всему не истинному, не влияющему достойным образом на природу человека.

В понимании природы искусства и его общественной роли Аристотель расходится с Платоном, являясь одним из основных его критиков. Аристотель рассматривает искусство как важнейшее средство познания мира и человека. Сравнивая историю и поэзию, философ пишет, что задача поэта сводится не к тому, чтобы говорить о случившемся, а к тому, чтобы говорить о том, что могло бы случиться. Если историк судит о единичном, то поэт об общем. Отсюда Аристотель заключает, что поэт «философичнее» и глубже отражает действительно сть, он познает все богатство чувственного мира. Рассматривая искусство как мимезис, т.е. подражание природе и человеку, он считает, что не каждый человек может стать предметом искусства, а лишь rap моничный и пропорционально сложенный. Подражание, по мнению Аристотеля, присуще людям с детства - благодаря ему человек и познает мир. Произведение искусства является продуктом подражания, доставляющим удовольствие от радости «узнавания». Источник эстетического удовольствия кроется в реальном интересе людей к познанию.

Аристотель против натуралистического копирования реальности он за творческое  ее отражение. Чтобы подчеркнуть большую выразительность, он считает возможным отойти от точного воспроизведения фактов. Но всякое отступление от верности натуре должно быть художественно оправданно. Таким образом, Аристотель одним из пер вых ставит вопрос о художественной правде в искусстве. Принцип подражания распространяется им не только на изобразительные искусства (живопись, скульптуру), но и на музыку, поэзию и др. В зависимости от различных видов подражания Аристотель строит свою классификацию видов искусства. Если музыка в качестве средства подражания использует звук, живопись и скульптура - краски и формы, то танец - ритмические движения, а поэзия - слова. Особенность музыки он видел в том, что она способна воспроизводить внутренние переживания людей (гнев, кротость, мужество и др.), в то время как изобразительные искусства воспроизводят лишь внешние отображения нравственных переживаний. Названные виды искусства Аристотель разделил на искусства движения - танец, музыку и поэзию, и искусства покоя ~ живопись и скульптуру.

Классификация видов искусства дополняется делением их на роды и виды. Так, словесное искусство Аристотель подразделяет на эпос, лирику и драму, а ее, в свою очередь, на трагедию и комедию. Теория трагедии Аристотеля оказала огромное воздействие на всю художественную практику вплоть до XVIII в.  Аристотель подробно описал все составные компоненты трагедии (фабулу, характеры, мысль, словесное выражение, музыкальную композицию, сценическое решение). Целью трагедии, по его мнению, является катарсис, т.е. очищение человеческой души от ненужных страстей. К катарсису ведет развязка, которая должна органично следовать из развития фабулы и характеров.

В «Поэтике» - своем главном эстетическом произведении - Аристотель обобщает художественную практику своего времени и вырабатывает правила художественного творчества. Ему хорошо известна греческая драма, эпос, архитектура, скульптура, музыка, театр, живопись. В своих рассуждениях, в отличие от Платона, он постоянно ссылается на конкретные художественные произведения. Прекрасным для Аристотеля является нечто объективное и абсолютное, оно содержится в реальных предметах, их свойствах и отношениях, в нем заложены мера, порядок и гармония. Подражая прекрасному, искусство само содержит в себе его характеристики. Поэтому искусство выполняет огромную воспитательную роль в жизни человека, оно подчинено задаче «усовершенствования в добродетели».

Духовно насладиться искусством можно лишь созерцая прекрасное, не думая в этот момент ни о каких практических целях. Такое свободное созерцание, считает Аристотель, родственно божественному, ибо оно обращено только само на себя. Однако далеко не всякое искусство способно облагородить душу. Поэтому, по мнению Аристотеля, необходим строгий контроль за тем, какое искусство человек воспринимает. В этом вопросе Аристотель солидарен с Платоном. Считая музыку важнейшим средством эстетического воспитания, он обращает внимание на то, что существует три типа мелодий: этические (воздействующие на моральные чувства человека), практические (возбуждающие в нем активность), энтузиастические (вызывающие экстаз). Аристотель отдает предпочтение этическим мелодиям, поскольку те благотворно влияют на человеческую душу. К такого рода мелодиям он относит дорийский лад, способствующий воспитанию мужественного характера, а также лидийский, содействующий развитию благопристойности и благовоспитанности. Неподходящим для воспитания философ считает фригийский лад, ибо ему свойствен страстный, оргиастический характер. Воздействие его на человека сказывается весьма неблагоприятно, вызывая ненужные эмоции.

Теория воспитания Аристотеля была связана с его учением о трех частях человеческой души - растительной, животной и разумной. Первая часть души определяла физическое воспитание человека, вторая - нравственное, третья - умственное. Таким образом, цель воспитания, согласно Аристотелю, - в развитии высших сторон души и формировании всесторонней и гармонически развитой личности. Идеи эстетического воспитания, выдвинутые Аристотелем, по-прежнему звучат актуально, органично вписываясь в его философию и эстетику. Безусловно, на его взглядах не могла не сказаться та уникальная историко-культурная и художественная атмосфера классического периода античности, в которой жил и творил Аристотель. Все последующие мыслители античной эпохи уже не могут сравниться с Аристотелем по глубине его эстетической концепции и широте материала искусства, который он сумел охватить. Эстетические взгляды Аристотеля по праву можно считать вершиной античной эстетики. К его идеям будут обращаться вновь и вновь в более позднее время, то критикуя, то объявляя себя их последователями.

Однако были последователи и у Платона. Философ Плотин, живший в III в. н.э. в эпоху разложения античной культуры, не только имел имя, созвучное имени своего учителя, но и высказывал сходные идеи. Будучи представителем неоплатонизма, он считал, что мир является эманацией (истечением) божественной полноты, а цель человека -возвращение к богу. Проблему прекрасного Плотин мистифицирует, рассматривая красоту вещи «через приобщение идее». При этом «сияние» добродетели, справедливость и умеренность он ставит выше красоты практических занятий, И чем больше душа освобождается от телесного, тем прекраснее она становится. Высшей красотой Плотин считал Добро. Лицезреть такую красоту - наивысшее благо, ради которого можно отказаться и от власти, и от богатства. Как и Платон, Плотин считает красивые вещи лишь отблеском высшей духовной красоты. Высшую красоту можно созерцать только духовным зрением, а для этого необходимо освободить, очистить душу от телесной скверны. По мнению Плотина, душа человека никогда не узреет прекрасного, не сделавшись сама прекрасной. А чтобы созерцать божественное, ей необходимо сделаться богоподобной. Проповедуя аскетизм и презрение к чувственному миру, отказ от разума и мистическое созерцание высшей красоты, которая есть Бог, Плотин своей философской и эстетической концепцией предвосхищает взгляды теологов средневековья, и прежде всего Августина Блаженного.

 Искусство Древней Греции и Древнего Рима

Искусство Древней Эллады своими истоками уходит не только в культуру древневосточных цивилизаций, но и в крито-микенскую культуру (или эгейскую), которая была открыта благодаря археологическим раскопкам на о. Крит в конце XIX - начале XX вв. Найденные останки позволяют судить о достаточно высоком уровне развития духовной и материальной культуры народов, проживавших в конце III - начале II тыс. до н.э. на о.Крит, а несколько позже - в городе Микены, расположенном на греческом материке близ побережья Эгейского моря. Критские письмена до сих пор не расшифрованы, и остается открытым вопрос о том, к какой этнической группе принадлежали эти народы и каков был их общественный уклад. Большинство ученых склоняются к выводу, что на Крите, так же, как и в Египте, существовала рабовладельческая монархия. Другие считают, что там, существовало родовое, доклассовое общество типа военной демократии.

При раскопках в Кносе на о. Крит найдены остатки дворцового сооружения. Своей причудливой архитектурной формой он напоминает греческий миф о лабиринте. По-видимому, миф появился не на пустом месте, и лабиринт действительно существовал. Стены кносского дворца покрыты фресками, фрагменты которых достаточно хорошо сохранились. Довольно часто на них, так же, как на каменных и золотых критских сосудах, можно встретить изображения быка, то мирно пасущегося, то разъяренного. Образ быка в критском искусстве, так же, как и в мифе, не случаен - очевидно, это животное играло важную роль в жизни древнего народа и его религии.

Особенностью критского искусства явилось то, что оно не подчинялось канонам, как предшествовавшее ему египетское искусство. Отсюда впечатление радости и непосредственности, которым веет от произведений критского искусства. В то же время критские изображения во многом напоминают египетские рельефы часто встречающимися изображениями животных (львов, кошек и проч.). Найденные в кносском дворце рельефные изображения человеческих фигур также во многом по своей манере похожи на египетские. Все это свидетельствует о том, что критяне, поддерживающие торговые отношения с Египтом, могли позаимствовать у него и манеру написания рельефов.

Однако за внешним сходством с египетским искусством обнаруживаются и существенные различия в мироощущении и стиле критян. На Крите предпочитают непринужденность и большую свободу в изображении фигур, в то время как в египетском искусстве главное - это строгость и геометрические формы, суровая величавая простота, симметрия, каноничность изображения. Достаточно часто критяне изображали женские фигуры, которые отличались непринужденностью и большей свободой. Возможно, они были жрицами, а может, это явилось отражением матриархальных отношений на о. Крит. Кроме того, критское искусство отличает стремление к причудливым и извилистым линиям (в египетском искусстве предпочтение отдается строгим линиям), в живописи и дворцах-лабиринтах царит асимметрия. В искусстве критян часто встречается тема моря - пейзажи, лазурный цвет, изгибы водорослей в орнаменте на амфорах. Со временем критское искусство претерпевает изменения, становится манерным, что свидетельствует о его увядании. Конец XV в. до н.э. для о. Крит оказался трагичным: его города превратились в развалины. Предполагают, что критяне подверглись опустошительному набегу ахейских племен, но не исключены также стихийные бедствия - землетрясение или извержение вулкана.

После исчезновения критской культуры ее преемником явилась близкая микенская культура, которая просуществовала еще примерно три столетия. Ее стиль отличается большей сухостью и строгостью линий, архитектура становится более суровой. Если в критских поселениях не было крепостных стен и военных укреплений, то в Микенах, напротив, крепости встречаются достаточно часто. Они воздвигались на высоких холмах, окружались стенами, сложенными из высоких каменных глыб (т.н. «циклопическая кладка»). Такая архитектура была обусловлена частыми длительными войнами.

О Троянской войне, длившейся десятилетие (примерно XIII-XII вв. до н.э.), рассказано Гомером в «Иллиаде». Тем самым Гомер запечатлел историческую память о микенской эпохе, где правда переплетается с художественным вымыслом. Знаменитое описание щита Ахилла свидетельствует о высокой культуре эгейского мира. По преданию, щит был изготовлен самим богом кузнечного ремесла Гефестом, который покрыл его картинами полевых работ, плясок и празднеств.

Эгейская культура пришла к упадку ввиду вторжения дорийцев - северных племен, стоявших на значительно более низком уровне культуры, чем микенцы. Для дорийского искусства был характерен геометрический стиль, во многом напоминающий древнее искусство эпохи неолита (большие деревянные идолы, глиняные статуэтки - во многом напоминающие наши вятские дымковские игрушки).

Искусство греческой архаики начинает складываться в VII-VI вв. до н.э. В нем можно обнаружить черты как крито-микенской культуры, так и геометрического стиля. Однако это была совершенно иная культура, на развитии которой сказались общественные изменения того времени. В отличие от стран Древнего Востока, в Греции уже в эпоху архаики складывался республиканский способ правления, когда правил не единоличный властелин, а целый коллектив рабовладельцев и свободных граждан государства-полиса.

В эпоху архаики искусство еще не обрело завершенных форм, а находилось в становлении. В архитектуре начинал складываться тип храма, окруженного колоннадой, в скульптуре - статуи обнаженных юношей и девушек, рельефы со сценами битв, игр, состязаний, а в росписи сосудов - чернофигурная ваза с разнообразными сюжетами. В литературе того периода процветала лирика (Сафо, Анакреонт), да и философия, не освободившаяся от мифологических черт, была близка поэзии своей образностью и афористичностью (Фалес, Анаксимандр, Анаксимен, Гераклит). В изобразительном искусстве утверждается обобщенный человеческий образ, который впоследствии назовут «аполлоновским» - так же, как и все греческое искусство. В образе Аполлона отразится образ не столько бога, сколько греческого героя, привлекающего не только красотой своего тела и атлетическим сложением, но и молодостью и силой. «Аполлоновское» искусство создаст свой неповторимый рационалистичный стиль, соизмеряющий и уравновешивающий пропорции человеческого тела и архитектурных форм. О гармонии космического целого поэты и философы начального этапа греческой культуры рассуждали не абстрактно, а поэтично и образно, пытаясь рационально обосновать красоту, подводя под нее математическую базу.

Ранняя греческая скульптура заметно отличается от скульптуры более поздних периодов. Первоначально греки окрашивали статуи в светлые и радостные цвета: волосы были золотистыми, щеки розовыми, а глаза синими. Храмы облицовывались цветной терракотой. Позднее греки перестали использовать цвет и от внешнего украшения фигур перешли к созданию строгих статуй из белого мрамора, ставя акцент на целостности образа. Впервые в истории мирового искусства грекам удалось найти простую, но в то же время изысканную форму, которая заметно отличает их архитектурные строения и скульптурные силуэты от искусства ранних эпох. Таким образом, искусство архаики отличается строгой архитектурностью своих форм, оно соразмерно и уравновешенно.

В эпоху греческой классики искусство развивается и усовершенствует рациональную конструктивность формы и чувственную непосредственность содержания, доводя их единство до подлинной гармонии. По-видимому, понимание гармонии и порядка было присуще жизненному мироощущению греков, живших в античном демократическом полисе в классический период своей истории, и проявилось со всей очевидностью в архитектуре, пластике и живописи.

Общественный строй Афин в V в. до н.э. достигает своей высшей точки в экономическом, политическом и культурном развитии. Все мужское население Афин, за исключением рабов, представляло собой коллектив равноправных граждан, пользующихся одинаковыми правами. Все они могли быть избраны на любую государственную должность. Наряду с рабским трудом был распространен свободный труд ремесленников и земледельцев. Труд на благо общества высоко почитался. Плутарх перечислил оплачиваемые государством профессии афинских граждан: кроме плотников, каменщиков, медников, мореходов, кожевников, дорожных рабочих, шахтеров и ткачей, были широко распространены художественные профессии - скульпторы, живописцы, золотых дел мастера и т.д. Изобразительное искусство считалось в Греции одним из видов особо почитаемого ремесла, поэтому художники пользовались почетом и уважением в обществе (ср.: в Египте художники считались служителями богов). Знаменитого скульптора Фидия называли «прекрасным ремесленником». Физический труд не считался у греков унизительным, как позже у римлян.

Афинское общество отличалось подлинной демократией во всех сферах жизни («Все хорошо в меру»). Разумное общественное устройство находилось в согласии с природой человека, естественные человеческие желания и стремления не подавлялись и не считались постыдными. Греки равно ценили и разум, и силу страстей, не было противопоставления духа и тела. Строились специальные здания для хранения картин (пинакотеки), но в основном произведения искусства окружали греков повсеместно. Статуи находились на площадях, рядом с храмами или внутри них, возле них проходили праздники, спортивные игры, шествия. По замечанию Плутарха, в Афинах было больше статуй, чем самих людей. И хотя греки ценили произведения живописи не меньше, чем скульптуры, однако живопись не сохранилась.

Большинство греческих скульптурных произведений известно по римским копиям, которые дают нам лишь отдаленное представление о шедеврах, не передавая красоты оригинала. Материал, из которого создавались греческие шедевры - не белый, а желтоватый мрамор, который светился изнутри, поэтому не случайно скульптуры воспринимались как живые, они словно дышали. Античные статуи были столь прекрасны, что были случаи, когда юноши влюблялись в статуи обнаженной Афродиты, Венеры и других греческих богинь. Известно, что при изготовлении статуй богов древнегреческие скульпторы использовали натуру. Так, Фидию при его работе над Зевсом Олимпийским служил натурой его помощник Калос, Пракситель ваял Афродиту со своей любовницы Краты, а гетера Фрина служила многим живописцам натурой для Венеры. Греки идеализировали выполненные с натуры произведения   искусства,   поклоняясь   чувственной   статуи,   подражающей оригиналу.

Особое значение имели культовые статуи античных богов, которые помещались в храмах, перед ними, а также на площадях и улицах городов. Они почитались священными, перед ними совершались жертвоприношения. Изобразительное искусство более других способствовало утверждению культа античных богов, поэтому уже на заре своего становления христианство активно выступало против него.

Памятником золотого века античной культуры является Афинский Акрополь - большой продолговатый холм, возвышающийся над городом и венчающий его храмами, посвященными покровительнице города Афине (богине мудрости и труда). Комплекс Акрополя органически связан с окружающим ландшафтом - с просторами Средиземного моря и голубыми силуэтами гор архипелага (египетские пирамиды хороши именно в пустыне). Акрополь являлся одновременно и святилищем, и укреплением, и общественным центром, в нем хранилась государственная казна, помещались библиотека и картинная галерея. Ежегодно устраивались празднества в честь богини Афины. После конных и гимнастических состязаний, соревнований певцов и музыкантов наступал самый торжественный момент праздника - всенародное шествие в Акрополь: всадники на конях, воины в доспехах, государственные мужи, молодые атлеты, девушки и юноши несли жертвенных животных, везли модель священного корабля с прикрепленным к его мачте роскошным покрывалом, предназначенным в дар Афине. Праздник заканчивался всеобщим пиром на Акрополе.

В центре всего акропольского ансамбля на большой площади возвышалась бронзовая восьмиметровая статуя Афины, отлитая Фидием. 

Блеск ее копья отражали солнечные лучи, он был виден далеко с моря и как бы приветствовал приближающиеся корабли. Самым большим сооружением Акрополя являлся Парфенон. Он был посвящен Афине-Парфенос (Афине-Деве). Иктин и Калликрат - имена зодчих, создавших Парфенон. Гармоничный по своим пропорциям, из светлого мрамора, окруженный колоннами (по 8 колонн на коротких сторонах и по 17 - на длинных), Парфенон создает образ чистоты и строгости. «Шествие» колонн напоминает шествие людей. Кверху колонны сужаются. Все скульптурное убранство Парфенона исполнялось по замыслу и под руководством Фидия его учениками. Над восточным входом в Парфенон, где был алтарь, располагалась скульптурная группа, изображающая миф о рождении Афины из головы Зевса. Внутри  храма находилась большая статуя Афины из слоновой кости и золота. На северном склоне холма располагался другой храм - Эрехтейон, который был построен несколько позднее - в конце IV в. до н.э. (на рубеже зрелой и поздней классики).

Особенностью античного искусства явился подчеркнутый интерес к человеку, который был его главной темой. Греков мало интересовала окружающая среда: ландшафту стали уделять внимание только в эллинистический период. Язык тела являлся языком души. Однако еще не было культа индивидуального, он возникает позже. Главенствовали обобщенные психологические типы. Портрет у греков был развит слабо, однако передача сложной гаммы чувств средствами искусства грекам не была чужда. Выразительность заключалась во всем теле, его движениях, а не в одном только лице. Не случайно многие греческие статуи не сохранили свою верхнюю часть: «Ника Самофракийская» или «Ника, развязывающая сандалии» дошли до нас без головы, но мы забываем об этом, глядя на целостное пластическое решение скульптуры в целом. Душа и тело мыслились греками в нераздельном единстве. Поэтому тела греческих статуй этого периода необыкновенно одухотворенны. Это было время Платона, Софокла, Еврипида. К этому периоду относятся известные статуи «Дискобол», «Мальчик, вынимающий занозу из пятки» и др. Все лица похожи друг на друга, и лишь в IV в. до н.э. - в период поздней классики - искусство начинает тяготеть к большей конкретности и характерности.

Длительная война со Спартой ослабила политическое могущество Афин, что отразилось на искусстве. Усиливаются и внутренние противоречия полиса, что также ведет к нарушению гармонии и покоя, уступая место внутренней тревоге и драматичности. В скульптуре заметно меняется характер движений и поз. Эти тенденции обнаруживаются в искусстве в скульптурах Праксителя и Сконаса. Если в архаический период предпочтение отдавалось прямым фигурам, в эпоху зрелой классики появляются плавные движения, сохраняющие состояние устойчивости и внутреннего покоя, то в поздней классике фигурам необходима какая-то внешняя точка опоры (так, «Раненая амазонка» опирается на полуколонну).

Пракситель и художники его круга не любили изображать мускулистые торсы атлетов, отдавая предпочтение красоте женского тела с его плавными и мягкими переходами объемов, поэтому мужчины нередко имели у них женоподобный облик. И хотя подлинных произведений Праксителя почти не сохранилось, одни лишь римские копии, но дух его искусства содержит мелкая греческая пластика - танагрские глиняные статуэтки (Эрмитаж). Они передают живую грацию, мечтательны, задумчивы, ласковы и лукавы - все это характеризует искусство Праксителя.

В отличие от него Скопасу свойственны страстность и огненность, он был художником бури, движения его скульптур порывисты и динамичны. А его сцены битвы с амазонками передают упоение от боя, хмельной пыл сражения. «Менада» - вся в буре дионисийской пляски, она напрягает все тело, выгибая торс и запрокидывая голову. Ее тело уподобляется натянутому луку. Подобные образы раньше не встречались в греческом искусстве, которое отличалось ясностью духа. Теперь в движениях скульптур передается напряженная общественная атмосфера разложения и гибели демократии. Этому положили начало захват всей Греции Македонией и завоевательные походы Великого Александра, основавшего огромную монархию, простирающуюся от Дуная до Индии.

Воспитателем Александра был сам Аристотель, а придворным художником - Лисипп, явившийся последним великим скульптором поздней классики (см.: скульптурный портрет А. Македонского, принадлежащий Лисиппу, - IV в. до н.э.). Однако несмотря на то, что Александр был воспитан на лучших образцах античного искусства, захватив Персию и Египет, он стал насаждать культы восточных культур, провозгласив себя богом и потребовав, чтобы ему воздавались божеские почести в духе египетских фараонов: славили в гимнах, возносили его силу и мудрость. На смену рабовладельческой демократии приходит рабовладельческая монархия. Наступает эпоха эллинизма, когда под эгидой монархии объединяются две культуры - эллинская и восточная.

В III в. до н.э. единая держава, созданная Александром Македонским, распадается на несколько монархических государств, образовавшихся в Египте, Сирии и Малой Азии. Теперь античная культура эпохи эллинизма, в свою очередь, начинает влиять на культуру Востока. Египетская скульптура своими чертами приближается к греческой: она становится более демократичной, в ней появляется интерес к человеку. Центром античной культуры на Востоке становится новый город Египта - Александрия, в котором успешно развиваются философия и точные науки. В Александрии жили и совершили свои великие открытия известные всему миру ученые Архимед и Евклид. А Аристарх Самосский за 18 столетий до Коперника доказал вращение Земли вокруг Солнца.

Эпохе эллинизма принадлежат такие великие шедевры греческой скульптуры, как Ника Самофракийская (кон. IV в. до н.э.) и Афродита Милосская (II в. до н.э.). В обеих скульптурах воскрешается дух высокой классики, который не был характерен для того времени, когда большей частью создавались скульптуры более чувственные и даже жеманные. Если Афродита возвышенно спокойна, то Ника более динамична и эффектна. Когда-то Ника стояла на утесе на берегу моря, трубя в рог, одуваемая ветрами и омываемая морской пеной. Сегодня ее подлинник хранится в Лувре, встречая посетителей на площадке широкой лестницы. Скульптура Ники Самофракийской сохранилась не полностью: она обезглавлена, без рук, с поломанными крыльями, но тем не менее она словно царит над окружающим ее пространством.

Искусство эллинизма уже далеко отстоит от классических истоков: его формы утрачивают былую органичность, а композиции теряют свое равновесие. В эпоху эллинизма рождается новый культ - культ единоличного властелина, который был чужд греческому полису. Искусство начинает приобретать черты официального искусства, становится придворным. Эллинистические правители обожествляются и предстают в пластическом искусстве в образе греческих героев. Постепенно искусство оборачивается к жизни частного человека. Возрастает интерес к сугубо личным, индивидуальным переживаниям. Это требует особого художественного языка. Греческий бог любви Эрот - великий и властный - теряет свои черты декоративности и превращается в шаловливого Купидона. Образы Аполлона становятся томными и изнеженными. Развиваются мелкая пластика, парковая скульптура,   носящая  черты  декоративности,   ввиду  того,   что  градостроительство принимает широкий размах. Возрастает интерес к бытовым, жанровым сценам. Однако в целом искусство эллинизма не смогло превзойти классическую Грецию, оставаясь ее учеником.

В недрах античной культуры параллельно с эллинизмом развивается культура Рима. Сначала Рим являлся небольшой олигархической  республикой  на берегах Тибра, а затем завоевал  Италию  и огромную территорию, простирающуюся по всему Средиземноморью. Падение    Карфагена, по  свидетельству историков, явилось переломным событием в истории античного мира - с этого момента Греция пала перед Римом.  Однако,  как писал Гораций, плененная Греция сумела победить своего «некультурного победителя». Если в области материальной культуры Рим шагнул      намного дальше Греции, то в духовной сфере он не смог превзойти ее великую духовную культуру и смиренно преклонился перед ней.

Действительно, трудно представить себе римскую культуру без греческой, которая впиталась в ее плоть и кровь, поскольку собственные художественные традиции Рима заметно уступали греческим. Римская мифология ассимилировала греческую, дав божествам другие имена: греческий Зевс становится у римлян Юпитером, Афродита -Венерой, Арес - Марсом и проч. Пластические искусства также копируют греческие образцы, но на свой лад - в скульптурах больше внешней эффектности, чем подлинного величия, что в конечном итоге явилось отражением общественно-политической жизни властного Рима с его культом силы. Римские императоры нередко изображались в образе богов, что свидетельствовало о заимствовании также египетских традиций. Кризис власти приводил к кризису в искусстве.

Однако римское искусство подарило миру свои шедевры. Безусловным явлением в художественной жизни эпохи Рима стали знаменитые фаюмские портреты (I-IV вв. н.э.), найденные в некрополях Фаюма, входившего в состав огромной Римской империи. Фаюмские портреты - самые ранние образцы станкового портрета в мировой живописи. Они были открыты сравнительно недавно - в 80-е г. XIX в. Написанные на небольших деревянных дощечках, портреты прекрасно сохранились, о чем свидетельствует коллекция фаюмских портретов в ГМИИ. Подобно предшествовавшим им древнегреческим погребальным маскам фаюмские портреты носили преимущественно ритуальный характер. Однако если маски передавали условный образ портретируемого лица, то фаюмским портретам были свойственны черты индивидуальности, в них присутствовали также характерные этнические особенности портретируемого. Ни одна из предшествовавших великих культур не смогла в столь реалистической форме передать человеческий облик.

Фаюмские портреты, по-видимому, оказали влияние на развитие знаменитого римского портрета, В римских портретах натуралистически точно передаются не только черты внешнего облика известных римских императоров, но и психологические особенности их личности. Нередко за мужественными чертами лица (волевым подбородком, жесткими складками у рта, массивным носом, внушительными надбровными дугами и проч.) угадываются усталость и внутренний надлом (см. бюст «Филипп Аравитянин» сер. III в. н.э.). Образ в римском скульптурном портрете заметно отличается от греческого своей индивидуальностью и интересом к внутренней жизни человека (у греков он носил обобщенный характер, был важен не столько портрет, сколько композиционное пластическое решение фигуры в целом, ее позы, жестов и проч.). Да и возраст портретируемого в Риме заметно изменился по сравнению с юными греческими героями. Перед нами взрослые мужи - императоры, завоеватели народов - с сильным и волевым характером, вкусившие радость побед и уже пресыщенные вла стью. Наступившая агония рабовладельческого строя предвещала начало конца великой Римской империи. Отсюда нарочито подчеркнутая важность позы и театральность жестов императоров, стремящихся любыми способами удержать власть (см. статую Августа кон. I в. до н.э., театрально простирающего руку к войскам).

Необходимость поддержания престижа власти отразилась не только в пластическом искусстве, но и в архитектуре. Помимо портретного искусства Рим был знаменит своим зодчеством. Конечно, римская архитектура не может сравниться с греческой ни своим обаянием, ни совершенством и гармонией форм, но она значительно превзошла ее своей инженерно-строительной техникой.

При строительстве храмов греки пользовались сравнительно простой балочной конструкцией, в Риме появляется конструкция сводов, заметно повлиявшая на развитие всей мировой архитектуры. Прежде всего это знаменитый тип базилики со сводчатым перекрытием (в средние века он лег в основу христианских крестово-купольных церквей, в то время как в Риме базилика являлась светским сооружением). Тип базилики использовался, например, при строительстве многоярусных каменных мостов, триумфальных арок, которые стали воздвигать в честь военных побед.

К 1-й вв. н.э. относят строительство знаменитого Коллизея, построенного в виде амфитеатра и вмещающего десятки тысяч зрителей, а также Пантеона - «храма всех богов», представляющего внушительных размером купольную ротонду. В Пантеоне впервые зодчие сосредоточили внимание не столько на внешнем виде храма, сколько на его внутреннем убранстве. Римскую архитектуру заметно отличало от предшествовавшей ей греческой и египетской разнообразие форм и инженерных конструкций, применяемых при строительстве как культовых, так и светских сооружений. По свидетельству историков, в III-IV вв. н.э. Рим имел достаточно внушительный и роскошный вид благодаря разнообразным сооружениям - памятникам, дворцам, аркам, мостам и проч.

Постепенно римское искусство, так же, как и культура и целом, приходит в упадок. Античное пластическое искусство вырождается в примитив, и лишь портретное искусство долго не сдает своих позиций.

Состояние кризиса в обществе отразилось не только в искусстве, но и в философии того времени. Стоики проповедовали покорность слепой судьбе, отстаивали возможность самоубийства ввиду невозможности человека жить разумно и морально. Участие в общественной жизни государства допускалось лишь в случае, если оно не вынуждало к безнравственным поступкам.